第05章 设计改革（何人可第5版《工业设计史》考研复习学习笔记）

第05章 设计改革（何人可第5版《工业设计史》考研复习学习笔记）

第05章 设计改革

19世纪下半叶的美国和欧洲

（一）美国机械产品批量生产

1）针对富裕阶层的装饰产品大部分是从欧洲进口，有少量仿制欧洲产品；

2）早期量产商品的设计主要由生产方式决定；

3）面向大众销售的产品主要依靠技术新颖性；

4）激烈的市场竞争刺激设计师赋予产品“附加值”；

（二）欧洲依然热衷传统“艺术”工业产品

1）对传统艺术的关注让人们更加关注品味的下降；

2）催生的设计改革的目的是建立以前的乐趣标准；

3）纠正生产方式改革和市场拓展的“破坏性效益”。

1830年至1914年的设计改革运动。各种设计流派交替，百家争鸣；设计师和理论家关注设计的风格争论，即制造的“道德”及其性能问题；他们关心与材料、颜色和符号有关的问题；这种设计改革有各种局限性，但它留下了值得学习的遗产。

1966年，美国建筑师文丘里提出建筑中的“复杂性和矛盾性”，“所有因素都是混合的而不是纯粹的”。

设计改革运动的发生和发展的原因是多方面的。最重要的两个是：一是对粗制滥造的机制产品的厌恶，二是设计折衷主义造成的风格混乱（消费者怀着怀旧的心情看待手工艺时代的精美作品；工业化后的商品品质）革命不能与手工艺品相比）。

分工和商业化促进了生产者和消费者之间人际关系的解体，导致机制产品质量标准的崩溃，导致一些有识之士致力于抵制二流机制产品。

折衷主义：任意模仿历史上的各种风格或自由组合各种风格而不拘泥于某种特定风格，故又称“模仿主义”。

折衷主义诞生的历史背景：

1）1820年代，消费者在艺术品味上不再满足于刻板的新古典主义。洛可可风格虽然饱受诟病，但它却经久不衰。

2）19世纪还是一个装饰的时代。丰富的质感和繁琐的设计曾经是品质和原创性的标志，是中产阶级展示爱好、地位和财富的工具。同时，也引发了浮夸、浮夸、庸俗的趣味。

3）厂家利用复杂的装饰，进一步推动古风的商业化转变。

4）厂家风格化抄袭，导致装修风格与功能之间存在巨大差距，这也创造了设计改革的突破口。

第一节 19世纪上半叶设计理论的发展

一、现状

1）克林根德（D.）在《艺术与工业革命》一书中写道：“事实上，工业先驱们带来的审美观念的革命，与他们带来的生产组织和技术的变革密切相关。革命一如既往地深刻。”

2）审美趣味衰退，古典标准丧失，取而代之的是风格折衷主义

3）设计师在生产过程中的重要性呈下降趋势，很快被熟练工人取代

4）美学影响工业发展是19世纪设计改革的理想，它提出改善艺术教育和建立向公众开放的博物馆。

① 1830年代，英国议会任命了一个特别委员会来讨论增加外国进口的问题。 ②《艺术与工业》报告促使政府建立了一所新的设计学校并创建了第一个博物馆。 ③在皇家学院的倡议下，成立了第一所设计学院，后更名为皇家艺术学院。 ④美术必须向工业靠拢。

2. 英国特别委员会

目标：探讨外国进口增加的问题，并试图找到“在民众中扩大艺术知识和设计原则影响力的最佳方式”，特别强调对工业人口的艺术教育

倡导艺术教育，相信法国和德国的优秀设计得益于学校教育

1836年《艺术与工业》报道：拯救英国工业未来的唯一机会是向人们灌输对艺术的热爱。该报告还促使政府发起一项倡议，支持建立新的设计学校和创建第一个博物馆

在皇家学院的倡议下，第一所设计学院成立，后更名为皇家艺术学院。美术必须向工业靠拢。

3、英国皇家艺术学院的成立

新机器时代的一个重要标志就是艺术必须向工业靠拢。一些在设计学校任教的画家将织机搬到了学校，放弃了传统绘画，专注于玻璃或陶瓷绘画等实用艺术。

失败的原因有很多。最重要的原因是，设计学校的老师大多是艺术家，他们很少有真正的商业需求的概念，也不了解工业生产流程。

官方观点：产业和文化在社会生活中占据着不同的地位。虽然设计师在新工业部门的基层工作，但他们并没有获得与艺术家和建筑师相同的社会地位。

19世纪贸易的扩张本应让英国设计师更接近大规模生产流程和市场开发，但由于当局过于关心公共利益和促进出口，未能认识到艺术家参与工业的实际意义。

19世纪初，致力于设计改革的人们有一个共同的感受，那就是随着生产的发展和新消费阶层的出现，整个国家的审美情趣处于一种状态。衰落，古典标准消失。取而代之的是风格折衷主义。这激起了他们强烈的改革热情，试图改变现状，建立设计与现代社会更加和谐的关系。

4哥特式复兴

1830年代，一些人反对沉迷于对未来的向往，主张重新评价过去时代的贡献，极力弘扬中世纪文化和相关天主教艺术，将哥特式推崇为民族风格和统一的审美情趣。应用于设计和装饰艺术

英国建筑师W·普金（W. Pugin，1812-1852）对19世纪初的哥特式复兴产生了重要影响。

5.帕金

他出生于建筑师世家，父亲是一位狂热的哥特式爱好者，15岁时开始设计家具和用品。1834年至1836年，他因设计英国议会大厦的整个室内装饰而闻名。

对设计标准的丧失深感不安，他在1836年出版的《对比》一书的扉页上，以嘲讽的语气批评了当时的设计状况：“六堂课可以教哥特式、简约希腊式的设计。 ”和混合风格”。他对这些流行病的治疗方案具有浓厚的天主教色彩，认为回归中世纪信仰是在建筑和设计中实现美丽和适当的唯一途径。哥特式复兴代表了一种具有精神基础的设计运动，它是价值观快速变化的社会的基本要素。这些想法使他成为后来的工艺美术运动的先驱。

具体的设计原则，反对“纯粹美”的观点，坚信设计是一种道德活动——设计师的态度通过他的作品传递给他人，并认为设计应该适合其实现的材料，设计师的技巧在于结构的体现和表达。每个时代都应该有自己自然形成的风格来表达生活。

1830年代，一些人主张重新评价过去时代的贡献，并极力弘扬中世纪文化和相关天主教艺术。英国建筑师帕金（面包盘）对19世纪初的哥特复兴产生了重要影响。

他于 1850 年设计的面包盘包含许多符号，并装饰有程式化的麦穗图案，隐喻地对应于功能。

他讨厌假材料，厌恶在平面上装饰三维空间的方法，批评过多的装饰图案，反对将家具和装饰设计成小建筑。他是对政府设计学校的猛烈批评——非常有见地的批评。

6 科尔和设计杂志

水彩画家、政府官员。改革了英国邮政系统，负责设计世界上第一张邮票“黑便士”，并发行了世界上最早的圣诞贺卡。 1845 年，英国艺术委员会举办了一场竞赛，以推广科尔获奖茶壶的设计。

1845年，他参加英国艺术协会设计比赛，并因茶壶设计获奖。该茶壶造型笨重，装饰风格介于自然主义和文艺复兴之间；喷嘴直接基于16世纪的溢流喷嘴，手柄基于文艺复兴时期的灯，饰有潘神的头像。可见科尔的设计并不具有革命性。

1849年，科尔创办了《设计杂志》，该杂志成为宣传科尔设计思想的喉舌。设计具有双重性。首先，设计的东西要严格满足它的实用性，其次，它应该美化或装饰这种实用性。 “只有当装饰的处理严格符合科学的生产理论时，即当材料的物理条件和制造过程的经济性限制并主宰设计师想象力所能发挥的世界时，设计中的美才有可能实现。漫游。 ”

《设计杂志》发表了大量反映科尔观点的设计。铜煤斗的曲线给人一种好用的感觉，形式与功能的关系也处理得很好。小编评价：“这是一个适当提高产品性能又不失其优美线条的例子。”

1849 年《设计杂志》上发表的铜煤斗设计

“装饰不能算是简单的叠加，而应该有其自身的必要性。”这一观点具体体现在该杂志发表的一篇文章中：“装饰艺术是机器技术完善的必要元素。对于装饰的爱好是我们的天性，我们都有情感，我们都会情不自禁地装饰。机械装置就像没有皮肤的骷髅、没有羽毛的鸟儿，只是机械零件的组合。让产品成为令人愉悦的对象是必要的。”

《设计》杂志强调，设计的进步不仅仅取决于制作者和设计师的努力，公众也有责任。现实地理解制片人的观点。每期杂志根据消费者的使用情况来选择成功的装饰产品，并以消费者的使用而不是艺术品味的优雅为标准。

科尔的朋友、雕塑家约翰·贝尔设计了两套洛可可复兴风格的鱼餐具。刀身呈鱼形，白瓷柄为鱼童。这是使装饰与使用目的相一致的一种尝试。例子。

贝尔在1847年至1848年间设计的一套餐具（右边两组是鱼餐具）

概括：

1）这些想法的实现和设计的完善并不仅仅依赖于制作者和设计师的努力；

2）《设计杂志》强调公众对此也有责任；

3）这种从现实的角度来理解制片人的观点在当时的评论界是不寻常的；

4）以消费者的使用而不是艺术品味的高雅为标准，显然是一个很大的进步。

第二节“水晶宫”国际工业博览会

1851年，英国在伦敦海德公园举办了世界上第一次国际工业博览会。由于该博览会在水晶宫展览馆举办，因此被称为“水晶宫”国际工业博览会。这次博览会在工业设计史上具有重要意义

评价：一方面，全面展示欧美产业发展成就。另一方面，也暴露出工业设计中的各种问题，从负面刺激了设计的改革。

目的：展示英国工业革命后的伟大成就，也试图提高公众的审美品位，制止对旧风格的无节制模仿。

维多利亚女王的丈夫阿尔伯特亲王是英国艺术协会的主席。他非常关心工业设计和设计教育，并亲自担任本次展览组委会主席。科尔负责具体组织实施工作，帕金负责组织展品甄选小组。 等其他一些著名建筑师和设计师也参与了组织工作。该建筑由园艺家帕克斯顿为水晶宫设计。

“水晶宫”总面积7.4×104平方米；建筑总长度达到563 m()，象征着其建于1851年；宽度为124.4m，共5跨，以2.44m为一个单位（因为当时的玻璃长度为1.22m，所以用这个尺寸作为模数）。它的形状是一个简单的阶梯式长方体，有一个垂直的拱顶。四周仅可见铁架和玻璃，没有任何多余的装饰。它充分体现了工业生产的机械特点。整个建筑只使用了三种材料：铁、木头和玻璃。工程从1850年8月开始施工，到1851年5月1日结束，用了不到9个月的时间就完成了组装。 “水晶宫”的出现引起了轰动，人们惊讶地认为这是一个建筑奇迹。博览会结束后，“水晶宫”被移至其他地点重新组装，但于1936年毁于火灾。

水晶宫是 20 世纪现代建筑的先驱和未来的标志，是世界上第一座由金属和玻璃建造的大型建筑，使用重复生产的标准预制单元。它在现代设计的发展中发挥着重要作用。

“水晶宫”中展示的内容与其建筑形成了鲜明的对比。各国送来的展品大部分都是机制产品，其中不少是专门为展会制作的。展出的历史风格多种多样，反映出人们普遍对为了装饰而装饰的热情。对任何基本设计原则的漠视是对装饰的滥用，甚至比为市场生产的商品还要严重。制造商试图利用这次盛大的博览会向公众展示如何通过“艺术”的应用来增强其产品的身份。这显然与主办方的初衷相去甚远。一些展品使用相对不重要的家用物品作为建筑纪念碑。

洛可可风格的夸张——洛可可金色的箱子上布满了一组天使雕塑，花哨的桌腿似乎无法支撑其重量。

书架侧板上的花卉装饰和狮子爪故意不恰当地夸大了一些细节。

从法国运来展览的一盏油灯，其灯罩由极为复杂的金银底座支撑。将灯具和钟表等产品视为建筑并不是什么新鲜事，18世纪末法国帝国风格的设计师经常这样做。

该结构完全由铸铁、钢或两者的复合材料制成，这把椅子确实对家具的基本结构进行了重新思考。遗憾的是，这位美国设计师的功能感并没有贯彻到底，因为支撑连杆和弹簧的金属腿采用了细长的涡卷形状。

这次展会上也有一些设计简单的产品，其中大部分是机械产品，比如美国送来的农业机械、军械等。这些产品朴实无华，真实反映了机器生产的特点和预期功能。但总的来说，这次展览在美学上是失败的。宣传盛赞展会的原创性和丰富性，标志着行业进步的展品让蜂拥而至的参观者印象深刻。但对于那些试图利用该活动来促进整个行业发展的人来说，它引起了尖锐的批评

正如帕金所说，工业似乎已经失控，展出的大量生产的产品因粗俗和不恰当的装饰而受到损害。很多展品都过于夸张，掩盖了其真正的用途，只有那些纯粹实用的物品才赏心悦目、恰如其分。

博览会的成果之一是致力于设计改革的人们开始分析新的美学原则来指导设计。这项活动最重要、最有影响力的出版物是威尔士建筑师欧文·琼斯（Owen Jones，1807-1874）于1856年出版的《装饰语法》一书。博览会的另一个成果是在柯尔的赞助下创建了一个教育机构，以满足英国设计界的需求：亨利·柯尔博物馆。

第三节 拉斯金、莫里斯和工艺美术运动

对于1851年伦敦“水晶宫”国际工业展览会，影响最深远的批评来自拉斯金（约翰，1819-1900）及其追随者。

和帕金一样，他们钦佩中世纪的社会和艺术，并对博览会中肆无忌惮的过度设计感到厌恶。通过将机械化大规模生产归咎于粗制滥造，工业及其产品受到指责。这些想法基本上是基于对手工艺文化的怀念和对机器的否定，而不是基于对现有状况的理解和改善的努力。

工艺美术运动的直接起因：①1851年，伦敦海德公园水晶宫工业展览会； ②展品装饰过度、夸张； ③审美的失败引起了广泛的批评，引发了工艺美术运动。

1.的设计思想

拉斯金本人是一位作家和评论家，但从未真正从事过建筑或产品设计工作。参观完水晶宫展览后，出来反对工业化。

工艺美术运动的重要理论基础：

① 向自然学习，从自然中汲取养分，而不是一味照搬旧有的样式； ② 使用传统的天然材料，反对使用钢铁、玻璃等工业材料； ③忠于材料本身的特性，体现材料的真实质感。

拉斯金完全否认工业产品具有审美价值的可能性。他的观点概括了英国社会和知识分子僵化、刻板的特点。这种死板地拒绝正视已经酝酿的奇迹及其意义，以及主导英国艺术生活和审美观念的固有保守主义，使人们很难真正认识到工业的成就和潜力，从而退居到了工业化的时代。怀旧的泥潭。工业及其产品改变了不同层次人们的视觉环境和生活。诽谤行业及其产品可能会带来一时的满足，但不能长期被忽视。

2.莫里斯的理论与实践

拉斯金思想的最直接继承者是莫里斯。参观完水晶宫展览后，我对展出的展品感到厌恶。与拉斯金不同的是，他不只是说教，而是用自己的作品推动设计改革。

在他的影响下，英国兴起了一场轰轰烈烈的设计运动，即工艺美术运动。莫里斯是现代设计的伟大先驱。

莫里斯使以前的设计改革理论家的理想成为现实。他并不局限于审美情感问题，而是将设计视为更广泛的社会问题的一部分。

莫里斯追随罗斯金的脚步，继承了他热爱自然的原则，在美学和精神上都以中世纪为典范。该设计融合了风格化的自然图案、手工艺、中世纪的道德和社会概念以及视觉简洁性，从而发展了帕金关于形式或装饰与功能之间关系的想法。

莫里斯出生于一个富裕的商人家庭。 “红房子”建成后，莫里斯和几个朋友创办了自己的企业，自己设计产品并组织生产。这就是19世纪下半叶英国出现的众多工艺美术设计行会的开端。

莫里斯虽然也和别人一起设计过家具，但他主要是一名平面设计师。他的设计多以植物为主，有时也有一些鸟类，具有自然的气息，体现出中世纪的田园气息。 。罗斯金“向自然学习”主张的具体体现，对后来风靡欧洲的新艺术运动产生了一定的影响。

莫里斯是一个复杂的人物。他在政治和设计上很激进，但他也深深迷恋传统，偶尔表现出强烈的浪漫色彩。

将设计与伦理紧密结合的思想是由、等人在19世纪初提出的。它在莫里斯和众多工艺美术运动积极分子的努力下得以继承和发扬。当审美标准丧失时，道德标准就会填补真空。 19世纪下半叶英国设计的情况就说明了这一点。

3.工艺美术运动“艺术与”

莫里斯的理论和实践在英国产生了很大影响。一些年轻的艺术家和建筑师效仿并创新设计，从而形成了1880年至1910年的一场设计革命的高潮。这就是所谓的工艺美术。运动的。这场运动以英国为中心，涉及欧美许多国家，对后世的现代设计运动产生了深远的影响。

工艺美术运动源于所谓的“良心危机”，艺术家们对不负责任的伪劣产品及其对自然环境的破坏表示遗憾，并寻求建立或恢复产品和生产者的标准。在设计方面，工艺美术运动从手工艺品“忠于材料”和“适合目的”的价值观中汲取灵感，以源自自然的简洁和忠实装饰作为其活动的基础。工艺美术运动不是一种特定的风格，而是多种风格的并存。本质上，这是一次通过艺术和设计改造社会、建立以手工艺为主的生产模式的实验。

该行会原本是中世纪工匠的行业组织。莫里斯及其追随者借用这种组织形式来抵制工业化的商业组织。

最有影响力的设计行会是：麦克穆多于1882年组建的“世纪行会”和阿什比于1888年组建的“手工艺行会”。

1885年，一群技术人员和艺术家组成了英国工艺美术展览协会，从此开始定期举办国际展览。

工艺美术运动的大多数主要人物都接受过建筑师培训，但他们以莫里斯为榜样，转向设计室内装饰、家具、染色和小饰品。 本人是一名受过训练的建筑师，他的“世纪行会”聚集了一群设计师、装饰工匠和雕塑家，目的是打破艺术与手工艺之间的界限。

工艺美术运动对机器的态度非常模糊。工艺一词越来越多地与基于工艺方法的美学联系在一起，而不是手工本身。即产品设计要体现手工艺品的特点，而不管产品本身是否是真正的手工制作。

尽管沃赛没有参与任何设计运动，但他是工艺美术运动的核心人物。他的平面设计偏爱卷曲线条的自然图案，以至于人们经常将其与后来的新艺术运动联系起来。他的作品不仅继承了罗斯金和莫里斯主张美术与技术相结合的精神，以及向哥特式和自然学习的精神，而且使其更加简洁、优雅，成为英国工艺美术的典范。机芯设计。

沃赛的作品不仅继承了罗斯金和莫里斯将艺术与技术相结合、借鉴哥特式与自然的精神，而且使其更加简洁大方，成为英国工艺美术运动设计的典范。工艺美术运动的许多设计语言都是沃赛创造的，比如心形和郁金香形图案，这些都可以在他的橡木家具和铜制品中找到。

阿什比是一位才华横溢、富有创造力的银匠。他的设计采用了各种细长、起伏的线条，被认为是艺术的先驱。

工艺美术运动对设计改革做出了重要贡献。他首先提出“美与技术结合”的原则，提倡艺术家从事设计，反对“纯艺术”。此外，工艺美术运动的设计强调“师法自然”，忠实于材料，适应使用目的，从而创作出一些简洁实用的作品。然而，工艺美术运动也有其固有的局限性。它将手工艺推向了工业化的对立面，这无疑违背了历史发展的潮流，从而导致英国设计走了一条弯路。英国是第一个实现工业化并认识到设计重要性的国家，但它并不是第一个建立现代工业设计体系的国家。这就是原因。

阿什比 (Ashby) 于 1902 年设计的银质水具

阿什比的“手工艺行会”最早成立于伦敦东区。 1902年，为了解决“良心危机”的问题，他决定将行会迁往乡村，却忽略了中世纪所有关键的创造和发展都发生在城市。阿什比本人逐渐意识到工业毕竟有其优点，并攻击了他所谓的罗斯金和莫里斯的“理智的卢德主义”。

工艺美术运动对设计改革的贡献：

（1）提出“美与科技结合”的原则；

（2）反对“纯艺术”；

（三）强调“师法自然”。

第四节 19世纪工业设计师——德莱塞

19世纪下半叶，由于工艺美术运动的影响，许多设计师致力于抵制工业化，专注于手工艺。但也有一些设计师是为工业设计的。他们绘制设计图纸并用机器生产。他们是第一批有意识地扮演工业设计师角色的人。最有名的就是英国的德莱莎（ ）。

德莱塞的一生（1834-1904）（1）

1）1847年至1854年就读于伦敦政府设计学院，是该设计学院为数不多的优秀毕业生之一；

2）接触了以科尔为首的19世纪中叶的设计改革者，也经历了1851年的国际博览会以及随后的内心反思阶段；

3）1857年，他在《艺术杂志》上发表了一篇论文，寻找解决设计中实际问题的逻辑方法。在装饰问题上，德莱塞反对直接模仿自然；

4）瑞典耶拿大学于1860年授予博士学位，并在4所大学担任植物学教授；

5）梳妆台以高度集中研究的植物体不仅是形式和图案的来源。用他的话说，植物表现出“合理的目的”或“适应性”。

6）从1862年开始，作为自由设计师的职业生涯出色。同年，他出版了他的第一本设计专着《装饰设计艺术》。

7）1871年，他自豪地声称“装饰是一种崇高的艺术”。他在这里提到的“装饰”是指工业设计。

8）梳妆台的设计受东方艺术的影响。从1820年代开始，东方艺术的风格，尤其是日本艺术，成为欧洲设计词汇的一部分。

9）从1876年到1877年，他在日本广泛旅行，并收集了许多日本物品。日本设计启发的陶瓷和金属制品设计的简单，简单和关注日本设计启发的梳妆台设计；

10）1878年，梳妆台还合作了一家家庭用品批发商店，专门从事从东方进口的商品；

11）1880年，梳妆台致力于一项新的事业，即艺术家具联盟。这种尝试有些开创性，因为它试图以前所未有的方式影响公众。

以前的设计师分为三类：设计师，设计师的业余设计师以及由于在研讨会中的实践而成为设计师的工匠或工程师。

1862年，他出版了他的第一本设计专着《装饰艺术设计》。 的设计受东方艺术的影响。梳妆台自己尚存的设计涵盖了各种各样的材料，样式和技术，反映了他对各种文化的多方面才能和折衷的态度。

擅长从各种历史来源找到灵感，并吸收来自不同文化的营养。它的设计反映了中美洲和南美，希腊，埃及，伊斯兰，中国，日本和其他地方的不同风格。由于他的作品经常具有“混杂和不纯净的”元素，因此有些人将他视为后现代主义的先驱。 。他最具创意的设计作品是金属制品。由于形式的简单性和直接使用材料，它们令人惊讶。此外，它们经常以形式显示创新，并强调完整的几何形状。纯度，而不是风格化的窃。

最具创意的设计工作是金属制品，主要用于几家伯明翰大型公司。形式和直接使用材料的简单性。此外，它们经常展示正式的创新，并强调完整的几何纯度，而不是风格化的窃。在《装饰设计原则》（1873年）中，他示意了管理各种容器的有效功能和吐出功能的法律。他自己设计的茶壶通常在形状上非常独特，强调了倾斜的手柄。

符合人体工程学和隐喻方面由他专业结合在一起，梳妆台的金属制品也表明了他对材料经济使用的关注。将设计的锥形糖碗的侧面向内滚动以增强金属的边缘，从而可以使用较薄的板。在较大的容器上，梳妆台总是使用电镀饰，而不是银色。 ，这不是像某些设计师那样强制妥协，而是一种有意识的选择，可以使他的产品尽可能多地使用。

概括：

1）的设计和著作显示了更新传统概念和技术的可能性；

2）对改变条件的意识和工业化提供的机会植根于对他所生活的时代的强烈热情以及对其潜力的信念，因此代表了胚胎状态，也代表着积极向未来进行积极运动的起点；

3）梳妆台在与行业合作方面非常成功，以至于在某些方面被排除在东正教设计历史之外。

第5节芝加哥学校

在1870年代，当欧洲设计师对艺术与技术，道德和美学之间的关系以及设计中的装饰和功能感到困惑时，这是美国建筑世界 - 芝加哥学校的重要学校。这所学校强调了功能在建筑设计中的主要作用，阐明了功能与形式之间的主奴隶关系，并努力摆脱折衷主义的束缚，并使它与新时代的工业化精神一致。

芝加哥学校包括许多建筑师。他们的建筑设计的共同特征是专注于内部功能，强调结构的逻辑表达，具有简单明了的外墙，并使用整齐的大玻璃窗，破坏了传统建筑物的无聊感。 。

沙利文（）是芝加哥学校的主要人物和理论家。他是第一个提出口号“遵循功能”的口号，该口号成为现代设计运动中最有影响力的宗旨之一。从理论上讲，他声称形式遵循功能，但实际上，他的作品并不总是如此。他非常喜欢装饰，尤其是带有自然图案的装饰，这与他的欧洲同事没有什么不同。

第二代芝加哥学校最著名的人物是赖特。他试图在建筑中形成一个有机的整体概念，即建筑物的功能，结构，适当的装饰和建筑环境都集成在一起，以形成适合现代时代的艺术表达。他还非常重视建筑艺术的完整性，以便建筑物的每一部分都与整体和谐相处。但是，赖特对艺术家角色的浪漫看法并未考虑到机械工业的现实。他的大部分作品都是出于私人目的而进行的，他没有机会通过工业生产方法实现自己的理想。

1901年，在芝加哥的著名演讲中，赖特（）表达了对机械化及其美学潜力的乐观态度，批评了滥用机器和沉迷于过去文化的“不良形式”。个人价值与质量产量之间没有矛盾。莱特（Lyte）对艺术家的角色的浪漫看法没有考虑到机械化行业的现实。他的作品主要是私人委托，没有机会意识到他的工业生产方法来实现他。理想的。

赖特的观点，尤其是机械化的观点，在美国和欧洲广受欢迎，并预示着1920年代的许多现代运动中心信条。强调简单的几何形式只是对机器生产的欣赏，而没有考虑现代机械技术的更广泛的潜力，他对建筑和工业的机械化不感兴趣。赖特（）机械地将他的审美原理应用于他后来的设计，因此产生了一些不舒服的几何家具。

第6节新艺术运动

“新艺术”是一种建筑，艺术和实践艺术风格，在19世纪末和20世纪初流行。

从1890年到1910年，中心：法国，比利时，德国，西班牙和美国。它反映了欧洲文化的统一，标志着古典传统向现代运动的转变和过渡。它本质上是一种装饰运动，但它使用抽象的自然图案和曲线。脱下旧的外套是现代设计和净化的重要一步。

1。新艺术运动的概述

1。新艺术运动的潜在动机：19世纪下半叶西方艺术界的两个趋势。

①新艺术是以前的历史风格的突破。这种风格反映了一种怀旧的趋势和折衷主义的混乱状况。新艺术的艺术家声称，他们想在当今的现实甚至最近的未来中建立自己的艺术，以打开探索全新时代的大门。

②新艺术拒绝了西方艺术 - 自然主义的另一种趋势。新艺术主义的支持者渴望展示华丽而精美的装饰。尽管新艺术反对自然主义，但新艺术运动的艺术家实际上崇拜自然。他们欣赏温暖而强烈的自然活力。

2。新艺术运动的特征

①新的艺术运动强调了整体艺术环境，即，应仔细设计人类视觉环境中的任何人为因素，以获得和谐，一致的整体艺术效应。

②新艺术运动反对艺术和设计领域的分裂和水平差异。人们认为没有大型艺术和小型艺术，也没有实践艺术和纯艺术的划分。

③艺术家绝不应该只是致力于创作一件艺术品，而应创造一种为社交生活提供适当环境的综合艺术。

④如何处理工业问题和新艺术的态度，有些看似投机。从根本上讲，新艺术不反对工业化。新艺术的理想是为广泛的公众提供现代而优雅的优雅。因此，工业化是不可避免的。

3。新艺术的中心特征：bin。他认为：“机器将在流行乐趣的发展中发挥重要作用。”

4。新艺术风格

新艺术风格的变化发生了广泛的变化，它们在不同国家和不同的学校中具有不同的特征：不同的技术和材料也将具有不同的表达方式。两者都有非常简单的直线或方形网格的平面组成，以及非常装饰性的三级空间和美丽的形状。

5。新的艺术运动评估

新艺术运动的实际作品很少充分实现自己的理想，有时甚至被困在奇怪的狩猎的魔术中。新的艺术风格着重于动物和植物的生命形式。建筑物或产品应该是一个和谐而完整的杰作，但设计师不能放弃结构的结构。结果通常是表面上的表面装饰。 ，新鲜的“艺术艺术”。

新艺术本质上仍然是一种装饰性运动，但它取消了抽象的自然图案和曲线，以去除旧的外套。这是现代设计简化和纯化过程的重要步骤之一。

其次，新艺术运动的起源

促进新艺术运动发生和发展的因素很多。

①在社会上，在法国战争之后，欧洲有很长的和平。目前，它需要一种新的非传统艺术形式。

②在文化上，“整体艺术”的哲学思想在艺术家中非常受欢迎。他们致力于整合视觉艺术的各个方面，包括绘画，雕塑，建筑，图形设计和工艺。

③从技术上讲，设计师对探索新的结构材料（例如铸铁）充满热情。

④艺术家本身，新艺术反映了他们对历史主义的不喜欢和新世纪新风格的新风格。

⑤对新艺术的发展最深刻的影响是英国手工艺品。

第三，比利时的新艺术运动

新艺术运动的发源地是比利时，是欧洲大陆最早的工业化国家之一，工业产品的艺术质量相对鲜明。

自19世纪初以来，布鲁塞尔一直是欧洲文化和艺术的中心，并在那里制作了一些典型的新艺术品。

代表性角色：

Holta：建筑师，他喜欢在建筑和室内设计中使用葡萄藤来包裹和螺旋扭曲的线条。这种起伏线已经成为比利时新艺术的代表性特征。或“鞭子线”。这些线的起伏通常与结构或结构有关。霍尔塔（Holta）于1893年设计的酒店设计成一种新的艺术风格。他不仅使用了自己在高级社会中创建的独特而美丽的线条，而且毫不犹豫地将其应用于公众使用的建筑物，并没有牺牲其美丽而优雅的特征。

：他的文明是由于他广泛的利益和他的新艺术从新艺术发展到设计风格，表明了20世纪功能主义的许多特征。他是一位画家和平的平面设计师，他的作品从一开始就具有新艺术的平稳曲线节奏。怀尔德后来去了德国，曾经成为德国新艺术运动的领导者。这一运动导致1907年建立了德国蔬菜制造联盟。1908年，王尔德成为德国魏玛工艺学校的校长。这所学校后来是包豪斯的直接前身。在德国，一些反映新艺术风格的银器和陶瓷产品简单而优雅。他们以活跃的理论家和论点而闻名。他们被称为莫里斯大陆。在他自己的设计中，这意味着“合理”的应用装饰，以指示物品的特征和目的。

怀尔德（）有两种不同的冲动，一种是温暖而活力的，反映在他流动的云层的装饰中。另一种是简单，清晰和功能主义，反映在他与他的工作中的基本结构中。

4。其他新艺术类型

1。法国是大学艺术的中心。因此，法国的建筑和设计传统上是倡导古典风格的历史主义。法国新艺术受到美容和象征主义的影响，并追求华丽而优雅的装饰效果。

法国新艺术的代表：

①本，德国人本，于1871年底定居在巴黎。Bin是一位热衷于日本艺术的商人，出版商和设计师。东方文化提倡对他的自然思想对他产生深远的影响。 1895年12月，他在巴黎开设了一个名为“新艺术馆”的艺术业务名称。他的设计主要使用植物弯曲和旋转的线条，很快他就开始针对新艺术。

②Gamid，最有影响力的作品是他在巴黎地铁上的设计。这些设计给了新艺术最著名的戏剧“地铁风格”。 “地铁风格”和“比利时线条”非常相似。所有地铁入口的栏杆，灯和柱都使用起伏的卷曲植物图案。由1908年Gimed设计的咖啡也是一项典型的新艺术设计工作。

③盖勒（法国南部），他将新艺术的指南应用于彩色玻璃花瓶的设计。花瓶的表面装饰着花或昆虫。由于花朵的装饰牢固，它通常超过纯装饰的范围，因此设计具有特殊的生活。活力。盖勒（）在他旁边聚集了一群艺术家，形成了纳克斯（）学校，并进行了玻璃产品，家具和室内装饰设计，这产生了更大的影响。

2. 西班牙

在这项新的艺术运动中，盖迪（Geidi）是最引人注目的，最复杂，最富有和创新的人。

他试图将塑料艺术穿透到具有浪漫幻想的三度太空建筑中。他吸收了东方风格和哥特式建筑的结构特征，并仔细研究了他的原始塑料建筑。

西班牙巴塞罗那Mira公寓的整个结构都以蜿蜒的蛇花名册为主导，反映了动态的生活，就像一个巨大的抽象雕塑一样。因为它没有排队使用，所以使用非常不便。

西班牙新艺术家具的设计还具有这种有利的表演形式，因此不小心。

3、德国

新艺术称为青年风格。青年风格组织的中心位于慕尼黑，这是新的艺术转向功能主义的重要一步。在“青年风格”艺术家和设计师的作品中，曲折曲线因素首次是，并逐渐转化为几何因素的正式组成。

（，1868- 1957年）是“青年风格”中的重要人物。在1900年设计的餐具标志着传统形式的突破，餐具的重新限制及其使用方法。到目前为止，它仍然具有出色的设计质量。

在德国现代设计古典的过程中，大坝斯特特艺术家村（Dam Stert ）发挥了非常重要的作用。艺术家乡村网络在德国和其他欧洲国家，艺术家，艺术家和设计师并列。其中，著名的奥地利建筑师Obric和德国设计师从事产品设计。

还是“青年风格”的代表。他的早期图形设计受日本水印木刻的影响。他喜欢象征着诸如莲花和蝴蝶之类的美的自然形象。开始理性。由在1901年设计的板使用几何成分。

新艺术在美国也回荡了。它的代表是蒂法尼（LC，1848- 1933年）。它擅长设计和生产玻璃产品，尤其是玻璃花瓶。他的大多数设计直接从花朵或鸟类的形象中完善，并与生物的生物的新艺术思想相吻合。蒂法尼（）的作品负责在欧洲的销售，这产生了更大的影响。

新艺术运动的历史地位：1）在设计历史上，这是一个转折点和进步。它代表了传统风格向简单现代主义风格的过渡。 2）新材料和新技术的应用； 3）生活的内部活力，客观地使设计模型模式更适合机器生产。

新的艺术运动限制：1）尽管它不反对机器，但大多数设计产品都来自手工研讨会。同时，一些过度的追击曲线不适合机器生产；它的本质仍然是一种装饰运动。

第七节和维也纳分离学校

麦金托什（）是英国格拉斯哥的建筑师和设计师。它对奥地利设计和改革运动的分离有重要影响。麦金托什的设计更接近现代主义。 “青年风格”几何因素组成的形式进一步简化为直线和正方形，这表明机器美学的外观。

从外观的角度来看，这座建筑具有新的哥特式简单和垂直线，但是室内设计反映了新艺术的特征，并展示了麦金托的所有天才。如果Holta和Gimad的主要主题是滚动的“鞭子线”，那么Mcing Tosh的主要音调是高度，薄的茎形垂直线，可以反映植物的垂直和向上的植物生长。活力。

Tosh在他的一生中设计了大量的家具，餐具和其他家用产品，所有这些家具都具有较高的风格，反映了对形式的追求，这也会影响产品的结构和功能。不舒服并且经常暴露实际结构的缺陷，制造方法中没有技术创新。

为了简化刻板印象的几何形式，他经常在油漆家具上绘制几种编程的红玫瑰。在这一点上，他远离了手工艺的传统。

维也纳分离学校是一群先驱艺术家，建筑师和设计师。它成立于1897年，是当时席卷欧洲的无数设计改革运动组织之一。它的代表是霍夫曼，Mota和Obrid。

运动的口号是：“对于时代的艺术 - 艺术应该是免费的。”

维也纳分离的派系是从维也纳早期学校开发的。在新艺术运动的影响下，奥地利成立了由奥托教授（1841-1918）领导的维也纳学校，维也纳艺术学院教授。 1897年，霍夫曼（）和其他人建立了一个单独的派系，声称与传统传统打破。

1903年，在银行家Huar er erofu的帮助下，霍夫曼（）和Motu建立了维也纳生产联盟，并由麦金托（）执导。产品的生产非常简洁。它的特征是精致的几何形式，远非传统的装饰味。尽管1909年生产的一套银色镀咖啡是手工制作的，但它的形状和表面处理是用机器产品模仿的，这表明机器美学的到来与19世纪模仿手工制作产品的乐趣相比。

霍夫曼（）的设计风格深深地受到麦克戈克郡（）的影响，喜欢常规的垂直构图，并逐渐演变成方形网格的形式，形成了自己独特的风格。优雅的名字。使用方形网的组成设计的大量金属产品，家具和珠宝。在第一次世界大战之后，霍夫曼的风格已经从常规的线性构图转变为更复杂的有机形式。生产联盟也于1933年解散。

维也纳建筑师Adolf Loos（1870-1938）的设计思想更具侵略性。勒克斯的最大影响力来自论文“装饰就是罪”。振动非常好。论文的重点是装饰显示了培养的变性。现代文明的社会应以非安装的形式表达。卢斯完全将装饰排除在他的建筑和设计之外。 ，卢斯将装饰与罪相提并论。

德国虚拟制造联盟第8节

从19世纪的下半叶到20世纪初，在欧洲国家，各种设计和改革运动已经出现，它们为不同程度和不同方面的新设计态度做出了贡献。实际上，他实际上并没有摆脱和其他人来否定机器生产的生产，更不用说将设计与行业结合在一起了。

德国制造联盟成立于1907年，是一个积极促进工业设计的舆论集团。它由热情设计教育和宣传的一群艺术家，建筑师，设计师，企业家和政客组成。制造联盟每年在德国的不同城市举行会议，并在全国各地建立当地组织。

目标：通过艺术，工业和手工艺的合作，对相关问题进行教育，宣传和联合行动，以改善工业劳动的地位。

特征：没有装饰，简单的组件和平面表面。

对于制造联盟的理想，做出最大贡献的人是在普鲁士贸易局工作的官方穆特斯。他是建筑师。

对英国房屋进行了大量的调查和研究，并写了三册杰作“英国房屋”。 的住所由从1907年到1908年设计，对英国的实用主义感到震惊，尤其是在家庭的布局中。作为制造联盟的强大人物，他广泛归功于制造联盟的广泛数字。经验和政府官员的地位对联盟有重大影响。实践艺术（即设计）具有艺术，文化和经济的意义。

它也是制造联盟的创始人之一。艺术和工业的结合是将理想和现实混合在一起，以谈论理想的崩溃，并怀疑行业是否可以接受一种可以减少其物质利益的方式。

另一个制造联盟的创始人是政治家诺曼（1860-1919），

正是由于他精明的外交手腕，有不同观点的人聚集在联盟的旗帜下。诺曼（）试图提倡，有必要找到一种新形式来适应新时代。理想是复兴德国文化并从中受益。该机器不受机器的约束。

邀请德国制造联盟的成员加入。它的组成非常复杂，组织也很大。很难保持一致的观点。关于和Wilde周围有两个鲜明的想法。为了保持制造联盟的统一，不得不撤回他的提议。然而，这些建议的影响仍然很大。直到19世纪德国才统一。工业化比英国晚得多。德国人意识到有很多领域要开发。另一方面，由于德国行业相对较新，因此没有传统的限制，也就是说，更愿意尝试新的设计方法。

制造联盟的设计师已为该行业广泛设计。联盟中最具创造力的设计是该产品适应技术变化的变化，尤其是家用电器设计的设计。

在联盟的设计师中，最著名的是。 1893年，他成为慕尼黑“青年风格”组织的成员。 1907年，贝拉努斯（）被聘为德国通用电气公司AEG的艺术顾问，最初是工业设计的工业设计。大师的职业。

还是一位杰出的设计教育者。他的学生包括（1883-1969），Mies van der Rohe，Ludwg，1886- 1969年）和（Le，Le，Le，Le，Le，Le，1887- 1965年），19