艺慧嘉艺术：分层级定制教学，助孩子考上理想大学，点亮艺术梦想

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点击【蓝字】让改变从这里开始，梦想从这里开始

艺汇嘉艺术|定位、愿景、使命

定位：分层个性化教学、精细化管理的高品质艺术院校

愿景：做行业标杆，做最优秀、受人尊敬、有温度的工作室，打造家长和学生信赖的美育品牌。

使命：让每一个来到亿慧家追梦的孩子考上自己理想的大学，改变自己的命运，从而改变家庭乃至整个家庭的命运。

价值观：求真求美，让艺术照亮梦想！

办学理念：学校里的每一个学生都是一个家庭的整个世界。教育者必须始终保持一颗充满爱心和责任感的心。

世界绘画有两大类。一是以中国绘画艺术为代表的东方绘画。二是西洋画。两者各有不同，而且各有所长。

当我们纵观中西艺术史时，我们会发现这样的规律：西方绘画各流派辉煌灿烂、层出不穷，各种流派、各种学说相互交替、轮番出现。回顾中国绘画，中国历代文人画近千百年来几乎完全成为主流。

在中西绘画中，线条起着塑造形体、界定形象、传达形意的作用。中国画使用的线条形状称为白描，而西方绘画使用的线条形状称为素描。

特别是写生传入中国一百多年以来，其在艺术、教育、创作领域的地位日益凸显。写生的引入一方面丰富了中国画技法的创新，但也弱化了中国画“以线塑造形、以形写神”的传统美学。引入草图的优点和缺点是有争议的和有争议的。

比较中得真知，我们可以从中西画海中捕捉到冰山一角，类比分析古今中外名家的素描、白描。图片和文字：

朝元仙战素描雕像群

梁楷佛画与达芬奇素描

鲁迅把白画概括为十二个字：“有真意，不粉饰，少造作，不炫耀。”

中国绘画的鼎盛时期是唐宋时期。五道子是唐代绘画的“格式”。吴道子先学顾恺之的古游丝画，后学张僧繇的笔法。他又随张旭、贺知章学习草书，故将“草书”入画”。

其白字字迹端正，横扫，充满苍劲。这种“扫去粉白，只留一丝淡淡墨色”、“不作画，却光华秀美”的风格，被后人称为“吴家风格”。

吴宗元的白描技法与吴道子最为接近。李公霖是宋代第一位人物画家，专攻吴道子白描法。唐宋元时期，能白画者，多能写人物画，也能画佛、道宗教画。

因此，吴道子、吴宗元、李公霖等是我国白描、水墨画的先驱，对壁画、肖像、挂轴、手卷等影响深远。

李公麟维摩诘像与米开朗基罗素描

中国画线条造型的特点在人物、山水、花鸟三大类中得到了充分的发挥。中国肖像画称为“墨骨法”，线为骨，扒染为肉；山水画的勾、裂、​​点、染也是从“勾”开始，山石树木皆用双线勾；花鸟画中的“勾画”“勾画法”和“勾画法”更注重线条的勾勒，用线条来写生。

周绿景《天形道》：“画人衣纹，用笔皆与书上相同，最重要的是笔力，要看刚柔相济。近如远，思远若近，须见笔劲，此文阐释人物画之基础，学画之始。排队画”，足以说明“白描”在中国画中的重要地位。

线条画技法按提笔、按笔、停笔、定笔动作的轻、重、慢、快可分为三类：

一是线条粗细没有变化，细、硬、长，如顾恺之、陈老莲；

二是停顿明显，起伏一致，笔画方中有圆，如吴道子、李公霖；

三是粗犷厚重，简洁明快，如木希、梁楷、颜辉等。

“以线立形，以形取神，以形传意”的白描勾勒方法，是画家根据不同的物体、质感和个人感受提炼、创造和总结的，成为经典。 。它们都是用极为简洁、精确、有序的线条描绘出来的。人物的表情和内在美。

历代成功的人物画家无一不是造型能力的大师。因此，张大千说：“绘画要想有所成就，第一重的是勾勒，第二重的是写生，然后才能谈写意。”

写生是西方古典绘画的基本训练方法。它是通过塑造轮廓、结构、体积、明暗、质感来描绘物体的写实技法。

它最早是由德国早期民间木刻宗教版画发展而来。直到15世纪文艺复兴时期，画家们才发现了它独特的表现魅力。

马萨乔、达芬奇和米开朗基罗等意大利画家掌握了它，并将其应用于透视、解剖和构图。素描所表达的三维和空间感使其在肖像、记录和壁画素描中很有用。起着基础性的作用，可以说，西方各个时期的绘画大师无一例外都是素描大师。

达芬奇的素描注重对人物面部的美学处理，以传达人物的内在美；

米开朗基罗的素描注重男性身体的肌肉力量和身体比例的和谐，用宽松简洁的线条诠释人体的极致美学；

丢勒的素描注重长轮廓的精确性和小、短线条的塑造。他用粗犷、简洁、细致的线条，把气氛和情感表现得极为生动；

霍尔拜因和安格尔的素描注重在扎实概括的基础上对神韵气质的把握。它们是真正的线性草图。人物塑造直奔主题，没有太多负担。 “惜墨如金”的线条运用与中国画中的白描相似。

在西方艺术中，到了20世纪，波普、概念、表演、装置等现代主义观念成为主流，而素描这一传统、古典、严谨、直观的基础课程则逐渐被忽视。加之摄影技术的飞速进步，写实绘画处于尴尬的境地。

与以前相比，19世纪以后的西方素描是：更复杂但不那么古老，更公式化但更少灵活性，更多技术性但更少想象，更现实但更少艺术性。尽管写生在西方日益边缘化，但它在中国却突然兴起并蓬勃发展。

中国素描分别是徐悲鸿的法国学院派+前苏联的切夏科夫素描体系=当代中国素描教育的基础。以徐悲鸿为代表的一代美术教育家留学归来带回的写生教学方法，成为我国写生的主体。写生传入中国后，徐悲鸿总结了写生本土化的“新七法”：位置恰当、比例正确。 ，黑白清晰，动态自然，轻重和谐，人物完整，画面生动传神。强调素描教学要“宁方勿圆，勿拙勿巧，勿脏勿洁”……对现代中国素描风格的形成具有开拓性、开创性的作用。

当我们翻看西方各个时期大师的素描作品时，总会被生动、自信、从容、淡定、灵性的塑造手法所折服。

温克尔曼称古希腊艺术为：“高贵的朴素，安静的伟大”。

安吉尔：“如果你对古希腊罗马艺术的美有任何怀疑，那就等于诽谤。”

文艺复兴实际上是西方文学艺术的一场“回顾运动”。这是大前提，因复辟而繁荣。文艺复兴及随后的巴洛克时期的艺术与希腊艺术一样，主张在表达丰富的人类情感的同时解放人的本性，从而开启了人类道德和智慧的视野。这是文艺复兴时期绘画所扮演的角色，也是所有艺术的共同点。

正如哈斯克尔所说：“最激动人心的历史是努力重现过去生活的历史。”拉斐尔的《雅典学院》以古希腊哲学家、数学家、天文学家等的群像再现了历史上的黄金时代，以纪念人类对智慧和真理的追求。

一切事物都在发展，艺术亦然。每一个都有它的起源、高峰和低谷，然后循环不断地重复，没有开始也没有结束。

技术会迭代，艺术可以重塑。这正是目前的情况。唐宋时期是我国文明的鼎盛时期，但随后就衰落了。如果要再次复兴，就必须恢复“唐朝的神韵、宋朝的意境、元朝的笔墨”。这是复兴的基础。

文艺复兴不是照搬，而是重塑东方，利用西方，融合各领域，颂古开今，博采众长。

沈宗潜《门周雪华汇编》：“万物之形神，全在于笔之所画”。

安格尔：“线条——这就是草图，这就是一切”。

威廉·霍加斯：“直线和圆线，以及它们的各种组合和变化，定义和描绘了任何可见的物体。”

《说文解字》：“线，界。”换句话说，线是区分物体差异的边界。这里的“线”包含了形状的概念。

人类绘画的表现方式无非是点、线、面。清晰概括的“线”是绘画的基础，也是一幅绘画的开始。

线描图和草图在名称上也一致。白色表示无色；素色意味着没有颜色。两者在内容上更加一致。

线描和素描在壁画中具有基本的功能。无论是小稿、粉红书、单个人物的图像，还是多人的图像，都是先用白描、草图确定构图，然后再放大。

现存的许多敦煌纸本线条画和西方素描的形状和关键线条上都有针孔。涂粉后，粉末通过针孔到达墙壁或原稿，方便二次绘画捕捉形状。这就是《壁画相似》中白描、写生的作用。

我国白描的始祖是唐代吴道子。无论是人物卷轴还是壁画，都是用线条勾勒出来的。吴道子的画派“以书入画”，“以笔劲画思”。在大场面的壁画上，他以气势和灵气取胜，气场生动，充满生机，庄严肃穆，表现出寺庙的威严和仙家的风范，如《玉林三窟》。敦煌、永乐宫壁画等……

西方文艺复兴时期的壁画，场景真实宏大，以写实性、叙事性、再现性取胜。它们宏伟壮观，比如文艺复兴三杰的作品：《最后的晚餐》、《最后的审判》、雅典学院等等……

在我国，元代时，王乙的《肖像画秘笈》，专门研究肖像画。强调所画对象的“本真气质”，必须熟悉、了解对象，反对傲慢、端坐、冥想、盲目临摹。

列奥纳多·达·芬奇：“一个真正的画家必须描绘两个主要的东西，人及其内心的想法。”

达·芬奇自画像、王怡杨朱熹小像

达·芬奇自画像、王怡杨朱熹肖像局部

无论是王怡所主张描绘的“本真气质”，还是达·芬奇所注重的“内心意图”，这种“既似人的外表，又捕捉人的精神”的画法，都是身体相似和精神相似。这是一个跨越式的进步，这种绘画方法和思想是中西绘画的共同特点。注重描绘五官，突出人物气质，夸张人物神情，在明暗和体积结构部分加一点点染，或加一点明暗，这样才能生动活泼。 ，既不压倒客人、接管主题，又不浪费笔墨。

西方后期写生需要使用光源，甚至灯光，有很多阴阳面。为了突出体积，有明暗分界线，并在暗部有反光。绘制人物时，必须有模型作为参考。模特一旦离开，绘画就无法完成，连最细微的动作都要改变。它受模型的影响。限制。为了获得肌肉骨骼结构的精确度，甚至对人体进行解剖，以达到栩栩如生的效果。

不难发现，人物画中，写生重形式，白描重精神。素描中明暗体积的塑造是现实的再现。白描在准备形神的同时，注重线条美。

线条画不讲究形式，也是一样；素描不讲究精神，也是一样。

中西白描、素描大师们用极少、极其精确、极其简单的线条，轻松自在地高度概括了生动的形神。

不写背景，只写主体；不求细致，只求表现力；不华丽，力求简洁，只用寥寥几笔就能表达出完整的表情。

如果世界上只有一种绘画形式，具有统一的外观和格式，那就太单调乏味了。

东西方文化虽然地域不同，但属于同一个人类文明。放眼整个人类文明，它们的性质和名称都是相似的。想看写实、叙事的画，就去西方；想看写意诗画，就到东方去。

虽然手法不同，但在最高点却殊途同归。艺术的发展有起有落是很正常的。我们必须用互补的观念来看待它。比较的目的是为了补充，而不是为了区分优劣。东西方绘画艺术“同而异，即异而同”。