带有黑白的唯美句子 孙振华：​沈勤十二品

带有黑白的唯美句子 孙振华：​沈勤十二品

展览时间：2019年11月10日-12月20日

展览地点：湖北美术馆4-7号馆

开放时间：2019年11月23日 16:30

开放地点：湖北美术馆一楼公共大厅

策展人：季少峰

展览总监：付忠旺、李和庆

执行策划：夏子、张倩

一、进入申勤的路径和方法

当代中国水墨批评能否尝试一些新的方法？

以沉勤为例。他的作品寓意深刻，发人深省。他们是当代中国水墨中的一股“清流”。它们看似充满了古老的意义，但显然是当代的创作。如何进入沉勤的世界？

如果我们从重新诠释传统、构建“中国之道”的角度来解读沉勤，就会发现沉勤并没有明显“继承”或“借鉴”中国水墨艺术谱系中的某个人或流派。他的水墨画有自己的独创性。

从中西元素融合的角度来看，沉勤在其水墨画的某些方面确实可以看到西方现代主义绘画的影响，比如直线、硬边的运用、阴影的出现、几何“构图”等。 “这种象征性的布局在中国传统水墨艺术中是不存在的。

尽管如此，从整体感觉来看，沉勤的水墨画仍然是东方的，具有浓郁的东方意境、哲学、情感和神韵。它们是自然的、恰到好处的。给人一种“其中有真意，欲辩时却忘了说”的审美魅力。

中国古代历来有读书画赏诗的传统。从接受的角度来看，沉勤的水墨画品质更具诗意，具有诗一样的意蕴。如果我们从常规的“套路”出发，从表现内容、社会意义、象征隐喻、语境关系、笔墨技法、图案、线条、色彩等各个方面入手，对他的作品进行理性分析，由于其受欢迎程度，这当然显得很正常。 ;但如果用古人批评诗歌的方法，不计其数，排除先入之见，以写意的方式观察沉勤的作品，直观地感受作品的意境和神韵，那就不是一个可以尝试的方法了。

在方法上，本文试图用中国古诗理论来解读沉勤，并用古诗批评的方法进入沉勤的水墨世界。

2. 绘画与诗歌

每个时代的艺术都有其中心风格。

我们说今天是视觉文化的时代，这是没有问题的。在此之前，文学在中华民族艺术中无疑占据着中心地位。

“诗言志”，诗歌在古代就被赋予了很高的政治伦理功能。曹丕甚至在《经文》中将文学提升到“治国大业、不朽盛事”的层面。唐代白居易在论诗时也说过：“人之文字，六经之首。六经之言，其首也。”

由此，我们可以想象文学在历史上的地位。

尽管在中国传统美学中，文论与画论在审美精神上高度一致，但“莫以言传物，莫莫以画留形”；他们总是互相解释、互相补充；但由于门类不同，绘画仍难以与诗歌相比。

汉代王充认为：“人喜看图画，画上所画者，亦是古之人也。见人之面，谁能察其言行？……”古圣先贤，竹帛上所记载的精彩，不就是墙上的一幅画吗？”王冲说文字比图像长，自然会得出不是画的结论。一样好 文本。然而，不同的传播方式和载体确实决定了它的文化地位。

这里讨论中国古代诗画的关系，目的是为了说明中国是一个诗歌之国。在中国传统艺术的悠久历史中，诗的精神和诗的理论成就深深地影响了绘画。

以“意境”（境界）理论为例。 “意境”是中国古典美学的一个重要范畴。中国诗词讲意境，中国画也讲意境。意境论虽然其根源受到老子美学和佛教的影响，但在中国美学中，“意境”理论被正式提出。是唐代司空图所作的《诗二十四首》。

“意境”的审美本质是什么？叶朗先生认为，“司空图的《二十四首诗》清楚地表明了‘意境’的审美本质，以及意境理论与老子美学（和庄子美学）的血缘关系。‘意境’不是‘意境’。”物象代表了虚实结合的“境界”，即表现了自然的生动画面，表现了道（气）的本质。这就是“意境”的审美本质。

司空图的“象外象”、“景外景”、“韵超出本源、味超出目的”、“超象外、入圈内”等理论主张，不仅对中国产生了巨大影响。诗词，对中国画也产生了很大影响，“意境论”在中国画美学中也占有重要地位。

中国古代诗歌理论中，历来有“表意”和“元情”两大体系。翻译成今天的话，就是强调诗歌的社会性，注重诗歌的外在规律；一种是强调诗歌的本体论，关注诗歌的内在规律。 。显然，司空图的诗歌更倾向于“命运”，更有兴趣探讨诗歌本身的问题。沉勤水墨画的主要倾向也是“命运”。

在中国审美风格理论中，也有“男性美”和“女性美”的术语。学者普遍认为司空图的诗论主要倾向“女性美”。虽然二十四首诗中有一些是“雄浑”、“雄浑”、“豪放”，但司空图本人却是一个隐居的人。从这一点来说，沉勤应该和他有精神上的联系。司空图自己说：“我很自由，可以轻松安家，我的职业就是吟诗看花。”这种闲适与超然，决定了他个人对诗歌的态度——“诗中有忧，须慎之，勿对诗有不公”。因此，民泽先生认为：“司空图并非完全鄙视大胆，而事实上，他的一切理论的着眼点都是在弘扬‘韵’和‘味’上”。至于沉勤的水墨画，风格在变化。他的早期作品多为阳刚之美，中间有柔和；后来的作品更多的是美中女性化，柔中带刚。一般来说，它们是刚柔相济的。

如何建立司空图的诗学与沉勤的水墨画的联系？

3. 活力、淡化、平静

司空图在《诗二十四首》中，把“雄健”放在第一位。名句“超越形象，得之于圈”是他在解释“轰轰烈烈”时提出的。这是全二十四首诗中的纲领句。

在司空图看来，雄伟的诗歌首先是整体性的，具有整体美感，视觉上是朦胧的、模糊的；同时，它生机勃勃，充满气势，充满生命的力量；它还具有空间性，具有立体性和流动性的特点；它是天然制作的，没有任何人工斧头的痕迹。

轰轰烈烈一直是中国艺术批评中频繁使用的热词。沉勤创作初期，“活力”是其作品的重要特征。典型代表有1985年创作的《黑白山水》和《宋代山水》，他将边缘清晰的黑白体量结合起来，表现出深邃的空间感和纵深感，充满动感，充满力量，充满力量。对比、碰撞、冲突的巨大张力。

黑白·山水墨设色纸本93×

宋代山水水墨设色纸本165×90cm 1985年

沉勤作品中的力量从何而来？这应该是出自他的内心。有朋友说，他心里经常有“邪气”。这当然是一句玩笑的话，说明他内心时常有不平和愤怒。幸运的是，他会画画。正如孔子所说：“诗可怨”。当然，画画也可以有怨恨。

沉勤自己也说过，他是一个内心充满矛盾的人。将沉勤80年代的作品与两千多年后的作品进行比较，我们可以看到，他既有“胸中猛虎”的刚劲，又有“细嗅玫瑰花”的温柔。应该说，第一步沉勤在石家庄“隐居”的日子里，他的内心真的是平静的、没有任何忧虑的吗？ “元气”就消失了？沉钦的内心状态如何？我不知道，但我知道司空图隐居中条山“秀秀阁”的时候，得知了末代皇帝唐艾被杀的消息。这样一个拒绝做官的“天生男子汉”居然没吃饭就死了，可见一个人的真实内心状态和他是否选择隐居似乎并没有直接的关系。

我们再来谈谈“稀释”。司空图认为，“淡化”首先是一种精神状态。作家要实现淡化，首先要“沉默地生活”，即沉默、等待。稀释不是可以强迫的。要达到稀释的状态，全靠神的旨意，而不是行为。

在对“淡化”的解读中，几乎所有学者都认为“淡化”与“有力”并不是相互对立的，而是相辅相成的。 “猛”中可能存在“淡”状态； “淡”中也可能存在“淡”的状态，但就风格而言，前者偏向于阳刚、雄伟、有力；后者偏女性化，悠然疏远，从容不迫；但他们的哲学思想基础是相同的，都强调自然与人类的关系，自然随意。

沉勤在2010年后的水墨作品中生动地展现了司空图的“淡化”。放眼当下的中国艺术界，就“淡化”而言，几乎没有人能比拟，尤其是近年来的园林系列。可谓是出神入化。与20世纪80年代初期的“稳健”作品形成了明显的对比。

花园-冬水墨设色纸本139×

沉勤的《花园1506（4）》创作于2015年，很淡的墨色和很细的线条构成了花园的一角。天色阴沉，可能的建筑物只剩下两纵一横。池中的太湖石，模糊而孤独。莲蓬，拖着蜿蜒的丝线，似乎正在向太湖石游去……这或许就是司空图所说的“小微妙”。一切都很轻，轻如“羚羊垂角，无影无踪”；然而，在这静谧的水池里，终究有一种缠绵的缠绵，微微流露着艺术家的一点点思绪和寄托。这种淡定与悠闲淡化，是一种超凡脱俗的审美精神的寄托。淡然与平静的背后是画家的灵性；轻盈灵动的背后，是画家对宇宙生命的深切关怀与坚持。

花园1506 纸本水墨138×

司空图的“冷静”论是图像批评的典型。他以诗论诗，用“海风碧云明，夜月明”等诗来诠释“平静”；如果用王维的诗来比喻，“平静”就是“行至无水处，坐看云起”。 。学者们一直认为，“从容”是一种“阴阳和合”、“无为而为、化为有机整体”的美； “顺其自然，不加任何矫饰”。

“淡定”也是沉勤水墨画所追求的境界。典型例子有2007年创作的《稻田》；以及2015年创作的《黑村》。以《黑村》为例，沉勤借鉴了某些版画的构图，大胆地在房屋边缘使用直线，与田野的弧线形成对比。在大型白色建筑和黑色屋顶中，它与背景之间没有任何过渡区域，呈现出强烈的对比，甚至营造出一种装饰感。整部作品一开一合，将气氛、整体性、柔和性和抒情性有机地统一起来。

纸本稻谷设色 45.5×175cm 2007

黑色·乡村 纸本水墨 139×314.5cm 2015

4、古朴、典雅、精致

《诗二十四首》中的“高古”，指的是高远古风，有别于世俗的风景，品格不凡。这种远离尘世烟火、品格高尚、闲适闲适的境界，可以与李白的《山中问答》诗相媲美：“问我青山有情，笑而不答”。桃花流水远去，别无他世。” 。

沉勤1998年创作的色彩风景《雪景寒林》和2000年创作的色彩风景《夜》可谓“古”例。沉勤非常欣赏宋画，评价非常高：“只有宋代的山水画，才能通过眼睛直达灵魂，而不需要转化为诗词。这是唯一能够洞察人心的中国艺术。”绘画时代的画家精神”。这些画可能是他对宋代绘画的致敬。

雪景寒冷森林 纸本水墨设色 60×

以“夜”为例。它具有宋代绘画的凝重、雄伟的风格，但与宋画相比，又表现出一种特殊的神秘和古朴。与宋代相比，他似乎更加强调光的运用。月光下的树林和水面显得比较明亮，而背景的山峦则模糊混乱。这种类似聚光灯的效果，更能体现夜晚的宁静、陌生和月光。荒凉。在沉勤的画中，月圆之夜的景色显得那么神圣而遥远，高贵而辽阔。或许，这就是司空图所说的“古”吧！

《诗二十四首》中的“风雅”，司空图已经用“落花无语，人淡如菊”这句诠释得十分贴切。但司空图所说的“雅”和儒家所说的“雅”并不是一回事。儒家所提倡的“雅”强调礼、洁、规范，而司空图所说的“雅”则指的是名人的风范、贵族的气度。在《司空图》的“雅”范畴中，第一句是“玉壶买春，茅屋享雨”，就已经说明了它与正统“雅”的区别。司空图所说的优雅，就是花无声开，花无声落，宠辱不惊，举重若轻的境界。它以一种洒脱、安静、从容、从容的态度面对生活。如果与诗歌相比，那就是陶渊明的“屋舍人境而建，却无车马喧嚣”和王维的“夕阳残渡口，孤烟升废墟”。

基于这种对“优雅”的理解，沉勤1984年创作的《白马女人》和2000年创作的《云》都是其作品中“优雅”的代表。

白马·女人 纸本设色 70×80cm 1984年

纸本云彩设色 138×94cm 2000

《白马女人》是一幅细致而超现实的画面：明亮的月光下，一个红衣女子紧紧地抱住一匹白马，仿佛站在世界尽头的荒野中。月光洒在女人的红裙上，将周围映得闪闪发亮。红光下，女子与白马孤零零地站着。我不知道他们从哪里来，又要到哪里去。唯有永恒的月光，才让这一刻成为永恒。正是沉勤创造了一种“雅”，赋予了这幅画“天地之美不可言喻”的美感。

司空图在《炼》第一品中首先说道：“如金出矿，银出铅。以大心冶炼，爱磷。”意思是，这就像从矿石中提炼黄金和从铅中提取银一样。只要精心提炼，即使是剩下的珐琅和磷也很可爱。可见，精炼就是对艺术的精心提炼，诗词绘画亦是如此。

只要炼制功力达到，即使不美，也可以变得美丽，不新，也可以变得新，不纯，也可以变得纯粹。王昌龄的《玉壶冰心》不仅讲述了玉与冰的纯粹灵魂，更是一种回归自然的艺术形式。

沉勤有很多“炼”的作品，炼可能是他艺术最突出的特点之一。沉勤惜墨如金。如果他能一笔说清楚，他就不会用两笔；

他2009年创作的《红房子》和2019年创作的《稻田和皖南山水》都是精炼的例子。

红房子 纸本水墨 46×59cm 2009

稻田·皖南山水 纸本设色 51×65cm 2009

“红房子”是独一无二的。一些几何色块解释了所有的空间关系，包括山、树、房子。它们被精炼到几乎没有任何细节。正是这种高度的净化，才有了“一言不发，尽是浪漫”、“超凡脱俗”的优雅。这种高度的净化使得画中的每一个形状和色块都具有很强的沟通性。

说起美，司空图在《诗二十四首》中是这样描述美的：“雾里水岸，红杏成林。屋里明月，画桥翠绿”。在树荫下。”水边漂浮着鲜花。雾气即将散去，红杏在林间显出鲜艳的色彩，明亮的月光照射着华丽的房屋，雕花的小桥隐没在绿荫之中。这一幕极其“美丽”，极其自然，没有任何人工雕刻的痕迹。

司空图所说的美，并不是奢侈华丽。它是一种自然的美，而不是一堆金玉良言，人工刻意创造的。

沉勤的水墨画中有一小部分与其他作品反差很大，不能用“美”来形容。它们的存在补充了其他作品。 “美人之美”在沉勤水墨画中的出现，说明一个优秀的画家在保持审美基调不变的情况下，能够自由调整，充分探索各种可能性，给人一种意想不到又情理之中的惊喜。

2006年创作的《公路1》、2017年创作的《花》、2017年创作的《山（墨色1）》、《山（墨色2）》、《山（墨色3）》，都属于“美丽”类型。当时，早在1997年，沉勤就曾尝试过《树下打牌》等“漂亮”的作品。

水墨设色山纸，170×96。

树下打牌 纸本水墨设色 50×68cm 1997

《山（墨色1）》展现了一座又高又陡的山，却出人意料地只用了单一、性感的粉红色。作者用这种不切实际的色彩和浓淡变化来表现山的阴阳两面。皱纹变化，用美丽艳丽的色彩来表达这样一个强大而高贵的物体。粉红色的韵味与妖娆，山的险峻与奇奇，更加凸显了山的诱惑与吸引力。如果这不是“美丽”，那又是什么？在水墨画的世界里，表现山峦叠翠的人有很多，但能用“美人美”来表现这种境界的只有沉勤一人。

“隐式”是一个常用的词，比较容易理解。司空图谈到“含蓄”时，首先说的是“不言不语，即可浪漫”。于是，这句话就成了一句千古名言。它强调不用言语或少用言语就能说明事物，或“文尽而意有余”。这是中国古代意境理论的主要特点之一。

“含蓄”的表达方式在沉勤的作品中比比皆是，比如2012年的《仿云林画》、2018年的《瓷》。“含蓄”的共同特点是含蓄而不显露，“言不达意”。意义”。他们止步于此，在画外留下更多的文字，给观众留下更多的联想。

仿云林画纸本设色68×

瓷（磁）墨设色纸本 52×66cm 2018

“小心”的本义是细致、小心。二十四首诗讲“工笔画”：“水流花开，露仍鲜”。就是说每一个场景、每一件事都写得非常细腻、密集；同时也强调“工笔画”的诗境不是复杂的、重叠的、死板的。不堵塞，但顺畅且自由。

在水墨艺术的世界里，很多人推崇写意，认为这是一笔不加思考就能完成的。仔细研究沉勤的水墨画，我发现“工笔画”是他创作的一个基本特征。他看似轻松随意的画作，蕴藏着作者深邃的匠心，但很多时候，却看不出来他的外表。就是这样的一丝不苟。可以说，他的每一幅画，无一不是经过精心布局、深思熟虑的。我们就拿他的作品中比较明显地看到他​​“细致”的地方来举例。

一把椅子，纸本设色，124×145厘米，1985年

静洁·方 纸本设色 94×138cm 2000

《净土房》（图18）展示的是藏区。一看到照片，西藏的气氛就扑面而来。近景是房屋，远景是山和天空。这幅画的取景、构图、色彩搭配、空间关系的营造、积木之间的呼应都非常讲究。没有作者的精心安排和精心构思，不可能有这样的整体效果。

5. 旷野、清奇、优雅

《诗二十四首》讲“野”，主要形容真诚、洒脱、无拘无束；任性、自然、随和。这更多的是一个不拘泥于世俗礼节的隐居学者的性格特征。在艺术上，其特点是简单、简单、简单。

沉勤的水墨作品中，2012年创作的《乡村》和2016年创作的《田园》是荒野类型的代表。

乡村水墨纸本46×

纸本水墨田园137.6×28。

“村”的表达极为轻松，一改以往对整齐规整的边缘线的偏爱。房屋的表达仅在屋顶上使用了三条水平线。这很简单。树木、小桥、道路都仿佛消失了，只有水存在。游动的鱼儿仿佛清晰可数，营造出一种简单朴素的境界。

“轻骑”可以用柳宗元的《江雪》形象地诠释：“万鸟已绝，万民已无踪。 孤人披蓑雨衣，独钓寒江雪”。 “清奇”就是指这种新鲜、陌生、不寻常的感觉。

沉勤的水墨作品中，早期的《师徒对话》和2016年的《花园》在题材和技法上并非同一类型，但在“情气”方面却是一致的。

师徒对话 纸本设色 124×151.5cm 1985年

纸本园林水墨设色（水平观看）

《师徒对话》虽然不是《寒江独钓》，但它的场景、氛围、远离尘世的超然感却颇为奇特； 《花园》虽然是沉勤经常画的题材，但它的构图和神韵却非同一般。那似乎有表情的莲蓬独自漂浮在水面上，仿佛即将离开这个世界。与柳宗元的《柯伊雷拉人》有异曲同工之妙。

最后，我们来谈谈“优雅”。优雅的境界需要每个接受者的想象力来补充。对人来说，指的是行为洒脱、风格鲜明；在诗歌中，“雅”最典型的代表就是李白。其诗已达到意纯深远、无怨无悔、清雅精练、闲适不落俗套的境界。

沉勤的作品中也不乏一些堪称“优雅”的作品。印象最深刻的是他的山画：《山07》和《山08》。对于“优雅”来说，这是一个挑战。没有人物，只有远山。而沉勤却把它们画得神采飞扬，清雅生动，仿佛这些山被赋予了灵性。他们不是静静地站着，而是在山里。翩翩起舞，每个人都仿佛拥有自由的灵魂。

山 07 纸本水墨设色 92×

山 08 纸本水墨设色 92×245cm 2017

六、结论

孔子说：“不学诗，就不能表达诗”。

沉勤作画时，很少写碑文，更不用说写诗了。他的画是诗。

诗歌实际上只是一种写作风格。从根本上来说，无论是诗歌还是绘画，其背后都是一种审美精神。这种审美精神是中华文明共有的。一个人或许没有学过诗歌，但只要愿意了解中国文化艺术，至少应该找到通向中国美学的熟悉渠道。一旦他真正理解了中国美学，他就无法理解中国美学了。诗是淡漠的。

需要注意的是，本文以诗论画，毕竟只是比较和借用；这里，从《二十四首诗》中挑选出更适合沉勤的十二首诗，只是一个初步的尝试；文章中的例子仅代表个人观点。司空图的《二十四首诗》并不能穷尽诗的境界，沉钦的十二首诗当然也不能穷尽沉钦的画。就已列出的十二个等级而言，它们之间有很多相似之处和交叉点。因此，我们只能理解十二品，很难机械地、生硬地理解它们。否则，我们就会陷入“分析”刻板印象的陷阱。

从古诗词的角度审视沉勤的绘画，给我们的启示是，当代水墨艺术的发展和完善可能有很多途径。复兴诗学、关注水墨艺术的诗性或许就是其中之一。如果我们从诗意的角度来看待水墨，我们不仅要把水墨视为一种材料或一种笔墨技法，更重要的是它的意境。

有些人可能会鄙视意境，认为它是一个古老而过时的概念。其实这些年我们一直在讲水墨的文化意义、水墨的东方特色、水墨的精神内涵……这些东西到底是什么？这其中有相当一部分可能是指水墨画的诗意和意境。

从诗歌的角度讨论沉秦还启发了我们，在视觉文化的时代，我们必须将墨水视为创新的模式或墨水的技术化，而要加强对墨水画家的了解中国美学的理解。另一方面，当人们经常批评和批评当前的墨水绘画状况时，可能只是证明缺乏当代墨水绘画，即缺乏诗意的内涵。

墨水画家必须具有诗意的心，诗人的敏感性和诗人的气质。在墨水创作中，他可以有意识地借鉴诗意因素，例如诗歌的艺术概念，诗歌的风格，诗歌的节奏和诗歌的韵律。至少，沉秦是我们面前的榜样。

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艺术家简历

男性的沉钦出生于1958年，来自南京。从1978年到1982年，他从事江苏传统绘画学院的研究生课。他目前是江苏传统绘画学院的全国一流艺术家。

图片由艺术家的工作室提供

一些个人展览经历

1982年“由南京艺术大学举行的个展”南京艺术大学

1989年“ 89中国现代艺术展”北京国家艺术博物馆

1992年“ Post-” 89“中国现代艺术展览” Tower香港

2001年“ 20年的实验墨水绘画展览”广东艺术博物馆广东博物馆

2011年“风，月亮和天空 - 乌伊·尤希（Inoue ）的书法，沉秦的墨水绘画展览”广州美术博物馆，广州

2015年“小云 - 沉秦个展”苏州博物馆苏州博物馆

2016年“三十年 - 沉秦个展”南京艺术艺术博物馆

2017年“ Kong Yuan -Shen Qin's Space” Art 上海

2018““ Xuan” Shen Qin Solo展览“东京

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请注意“@2019年弯曲自己的方式：沉秦”