心爱的梵高：星夜

心爱的梵高：星夜

花木兰手记：作者在欧洲生活了几年。 在近万里的旅途中，我对欧洲的风景、人文、历史文化、艺术、宗教都有很多感悟，并用心记录下来。 应木兰先生之邀，愿与友人分享。 恰好，剧院正在放映历史上第一部用梵高的油画来展示他的作品和他的生命和灵魂轨迹的电影。 他还分享了自己多次去阿姆斯特丹梵高博物馆的经历，希望能拓展自己的阅历和感悟。

荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆是世界上收藏梵高作品最多的美术馆。 它常年举办的展览涵盖了文森特·梵高（1853-1890）绘画发展史的各个阶段，是每一位梵高迷一生必去的地方。 必须去一次的地方。 西方国家的美术馆总是尽量收藏一两幅梵高的作品。 只有这样才能体现出藏品的分量，它们所展示的西方艺术史才不会显得有重大的缺失。 不过这样一来，那些努力看画的人，至少也要转一圈欧美各大美术馆，才能多看几幅梵高的真迹。 对梵高的热爱者，一定要多看他各个时期、不同题材、不同层次的作品，深入了解梵高的名画名作； 无论是专辑还是全尺寸影印本都感受不到原作的美妙韵味。 这就解释了为什么阿姆斯特丹艺术博物馆在梵高迷的心中有着特别重要的地位，因为世界上没有任何其他艺术博物馆能够展出如此大量集中而全面的梵高作品。

梵高的杏仁树，构图和用色都有日本画的影子

在纽约大都会、巴黎奥赛、甚至北京世纪坛遇见梵高令人惊叹，但在阿姆斯特丹投入梵高的怀抱简直令人陶醉。 十几岁的时候，我在书本和画册中看到梵高是一个失去生活能力的弱者，一个精神病患者，一个割耳自杀的疯子。 沉重，有着奇怪的颜色和奇怪的视角。 与同时代的西方画家相比，风景没有列维坦的浪漫抒情，人物没有列宾的端庄刚毅，静物没有塞尚的明朗。 我不明白为什么那么多人喜欢它。 他敬佩他，所以只把他看作是为艺术痴狂的典型，把他的画看作是他思想越轨、精神混乱紧张的体现。 后来，我读的越来越多。 我知道，当我还是学生的时候，我就被中国传统的艺术教育蒙蔽了双眼。 我只懂得欣赏苏俄学派的写实主义作品，充满了所谓的革命乐观主义。 形式主义、立体主义、现代主义的作品其实表现的是世界和人生的另一面，他们不明白中国古代绘画艺术的不断演进也揭示了历史上东方人对世界和人生的独特诠释.

摘下欣赏绘画流派、观察艺术发展的眼罩后，对梵高的印象也发生了一点变化。 尤其是在几次直面他的画作之后，梵高敏感、勇敢、心胸开阔、意气风发的形象越来越清晰，逐渐驱散了他少年时脑海中艺术狂人的影子。

在阿姆斯特丹，面对数百幅梵高各个创作时期的典型重要作品，他心中的梵高焕然一新。 从安特卫普，到巴黎，再到阿尔勒，再到奥维尔，梵高的个人生活越来越混乱和多灾多难，但他的画风却越来越成熟，笔触更流畅，色彩更鲜艳，造型更夸张。 视角更是奇特，画面的冲击力和感染力越来越强。 最令人称奇的是，他的画作虽然表面上越来越动感多变，但画面深处所流露的却是格外静谧祥和。 无论是狰狞扭曲的向日葵，东方风格的杏树，油彩堆砌的自画像，还是孩子涂鸦般的山水画，无不以不落俗套的造型、线条和色彩，在激烈的竞争中达到目的。碰撞和挣扎。 传统意义上的平衡和统一。 经历了爱情的失败、在巴黎的彷徨、与高更的争吵、割耳事件、住进精神病院等等，梵高一天天逃回内心的小世界，只和弟弟提奥交流关于他高超的绘画技巧。 经验。 但或许正是因为对绘画的一心一意，梵高对自然和生命的热爱才更加专注和饱满地倾注到画面中。 在他越来越受限的活动范围内，他所看到的一切都充满了活力和美好。 就连一把普通的椅子，一束鸢尾，一棵松树，都被他描绘得惟妙惟肖。 凝视着梵高的画作，不自觉地跟随他进入了一个超越外界的境界，我不禁相信，这个世界上的一切都是有原因的，一切都井然有序，一切都在融合，一切都有永恒的生命。 冷静，爱。

最后一个展厅的中央挂着梵高最后的作品《群鸦的麦田》。 1890 年的一个夏日，画完这幅素描后，梵高走进一片麦田，开枪自杀，两天后不治身亡。 看着这幅结构简单的画面，他发现之前绘画中蕴含的平和与从容消失了，释放在画布上的其实是一种强烈的躁动和决绝。 麦田、马路、天空、乌鸦，都是梵高标志性的直线和浓重的色彩，只不过这次用笔更果断，用色也更简单。 “爸爸”继续说下去，没有丝毫犹豫，丝毫没有拖延。 与他以往的山水画不同，这次没有曲线或旋转来打破单向直线的垄断以达到一点柔和的平衡，也没有精心构造的色块过渡来延伸天际线的深度. 而技巧，都淹没在极度的兴奋和跳动中。 当梵高决定告别这个世界时，凭借多年积累的对笔触、构图、色彩的娴熟把握，他将精神、情感、思想集中在笔尖，在画笔上自由自在地驰骋。画布，自由摇曳，留下这最后的艺术宣言。 他一生的绘画技艺，都浓缩在那一堆如树枝、树节般的油彩中。 近看，斑驳打结，杂乱无章。

晚年的黄宾虹（左）和中年的梵高（右）

近看，一片混沌，远看，却是万象万千。 这不是黄宾虹吗？ 1955年逝世于杭州的九枝老人，经过一生的艺术和人生积淀，集中国历代山水之大成，胸怀九州四海山河，融笔意于一身。金石篆隶，浇、染、置，破、积、改等多种墨技，在八十高龄之际，又迎来了绘画艺术的春天。他以“黑、密、厚、重”的特点，开创了前所未有的“黑宾虹”画风，震惊世界，开辟了前沿，将中国山水画推上了一个新台阶，成为一代宗师，赢得了“南黄北齐”的美誉，与齐白石并称为20世纪最伟大的国画艺术家。 宾翁晚年所画山水，因技法多变，布局严密紧凑，笔墨交织，往往方寸以内。 枯枝焦枯、干裂、闪闪、飞扬，分不清画的是什么、取景的地方，时常觉得一片狼藉、一片混乱。 然而，只要退一步，放眼全貌，放眼山河云风，豁然开朗，细看时乱七八糟的字迹墨迹蓦然转进入幽灵般的山脉、森林和山谷。 上上下下，左顾右盼，才发现宾先生的画笔墨淋漓，深邃浑厚星空 壁纸 梵高，意象浩瀚磅礴。

黄宾虹山水局部（左），笔法多变，墨色重叠

晚年“黑宾虹”风格（右），构图墨不透风

宾虹与梵高的人生轨迹和艺术道路相距甚远。 一个深受中华文明的滋养，深谙儒家思想； 二是受欧洲文化影响，受益于时代潮流。 停下来，在他英年早逝之前，绽放出光彩； 一位以中国传统笔墨为基础，以万千线条和彩墨勾勒物象，抒发情怀，一位在欧洲油画基础上脱胎换骨，对色彩、光线和透视做出了新的贡献。 、等技术增加了许多新的含义； 一位温和中庸，以源源不断的力量传承艺术哲学的永恒，一位忧郁奔放，凭借才华横溢的才华斩断画坛的平庸。 然而，他们都在生命的最后达到了启蒙的境界（黄宾虹最后七年在杭州生活，梵高最后六年潜心绘画，成为艺术的巅峰和硕果累累的时期）两者分别），他们踏上了同样的旅程。 进一门，返一门，抓住最能表达感情和思想的艺术手段，达到混沌与华丽的对立统一，以此构筑绘画的基石，拓宽艺术境界，融会贯通。文化精髓，引领世代。 观者与观者冲破世俗执念，追求清澈澄澈，步入自然与生命的极致殿堂。 就这样，黄梵也向今天在他们的画前流动的东西方人士宣告：天地一家，天地一体。

黄宾虹山水全貌，不面对原作，感受不到它的丰富与浩瀚

除了常年展览外，梵高博物馆还举办一些专题展览。 2008年底，以“夜之歌”为主题，特地从世界各地借用了一批梵高名作，重点讲述梵高是如何描绘夜的。 相关风景。 看了几十张图片和精心编排的解说星空 壁纸 梵高，有趣不言而喻，但最吸引人的是展览中提到梵高迷恋星空。 他画夜景时要描绘星空，而画他的朋友诗人博赫的肖像时，也不忘用星星点缀背景，他对星光的构图也变得更加复杂、抽象、富有层次感。随着时间的流逝而独立。 在他生命的最后，当他在医院的窗外眺望夜色中圣雷米修道院附近的山峦和树木时，阴沉的星空不再是人们眼中的星空，而是星空在梵高心中（文章开头）。 对这幅画有多种解读，甚至有人从中读出性别暗示。 但无论如何，正是因为梵高用画笔对平凡场景的不同寻常的诠释，才引起了后世如此多的联想和感慨。 这正是梵高不同于常人，超越常人的地方。

梵高作品中的星星如此多样‍

梵高一定经常仰望星空。 在他短短的38年生命中，星空一定给了他长久的慰藉和信心。 现实生活艰难、混乱、复杂，艺术探索艰难、彷徨、孤独。 梵高不仅要承受经济上的拮据，还要承受与家人、朋友、同龄人、爱人不和的失望和无奈，更要承受自己的画风在市场和艺术上遭遇的冷漠圈子里（他当时只卖一幅画）。 星空给予梵高的一定是无尽的纯洁、率真、忠诚、甜蜜和欢乐。 星星一定是永恒的伙伴，真诚的朋友，感悟的珍宝，心灵的航标，心灵的寄托。 夜深人静，清风拂云，仰望星空的梵高对星空诉说着什么，诉说着什么，托付着什么？ 是他的感情，他的心，甚至他的生命？

在低地国家晴朗的夜晚，真正近距离地看到星星

在“星夜”旁边的面板上，读到梵高在 1888 年 7 月写给他弟弟西奥的一封信中的一段话。代表村庄和城镇。我问自己，为什么天空中闪亮的小点不像法国地图上的小黑点那样容易到达？如果我们能坐火车到达 或 Rouen，我们就能通过死亡到达星星”

“如果我们坐火车去鲁昂，我们要死才能到达一颗星。” 这最后一句话被做成了大字标语，高高地印在了展厅的墙上。

梵高非常喜欢星空，喜欢这个世界上存在的一切。 能画就画，透视与笔触尽显无尽爱意。 死亡在梵高看来也是一种存在。 既然存在，就应该热爱，不应回避，不应批评，不应唾弃。 死亡的美妙之处在于，它打开了另一扇通向永恒和完美的大门，将我们引向一个如星空般遥远而陌生的世界，是我们今生无缘感知的。 两年后，梵高怀着心中的大爱，以令世人不解、惊骇的方式，踏上了他一直为之着迷的未知世界，为这个世界留下了流传已久的艺术瑰宝和人格传奇。几个世纪以来。 我希望他在另一边看到的星空和他画的一样神奇美丽。

梵高早期风景画安静明亮

告别宾翁的笔墨风采